Wir befinden uns in einem fiktiven Land in Südamerika. Hier hat der ehemalige Anwalt und jetzige Polizist Agustin Rejas die Aufgabe, eine Reihe von Attentaten und Sabotageakten aufzuklären, die mit den Guerilla-Aufständen in Zusammenhang stehen. Rejas steht unter gewaltigem Druck. Denn die Machtübernahme skrupelloser Militärs steht unmittelbar bevor, sollte es ihm nicht gelingen, die Täter aufzuspüren. Während korrupte Vorgesetzte die Arbeit des Cops behindern, verliebt dieser sich in Yolanda, die Tanzlehrerin seiner Tochter. Doch als er herausbekommt, dass die Tanzschule nur eine Tarnung für terroristische Aktivitäten ist, gerät Rejas in einen Gewissenskonflikt… Das Regiedebüt des Schauspielers John Malkovich ist ein atmosphärisch dichter und spannend inszenierter Polit-Thriller. Basierend auf dem Roman von Nicholas Shakespeare gelingt es Malkovich, ein differenziertes Bild einer korrupten Gesellschaft in eine intelligente Thrillerhandlung einzubinden. In eindeutiger Anspielung auf die peruanische Terrororganisation „Leuchtender Pfad“ und deren Anführer Abimael Guzman zeichnet der Regisseur mit ausdrucksstarker Fotografie ein plastisches Bild von Gewalt, Terror und Angst. Javier Bardem (LIVE FLESH) liefert zudem eine glanzvolle und reife schauspielerische Leistung. Ein kleiner Leckerbissen für Fans von John Malkovich ist außerdem dessen kurzer Cameo-Auftritt, den sich der Vollblutmime zugestanden hat.

Als der junge Heimatforscher John Maloof 2007 bei einer Zwangsversteigerung Kisten mit rund 100.000 Fotoabzügen erwarb, wusste er nicht, welch bedeutendes Werk er in den Händen hielt. Zwar erkannte er die Brillanz der Aufnahmen mit Straßenszenen aus dem Chicago der Fünfzigerjahre, doch der Name der Künstlerin half ihm zunächst nicht weiter. Erst als er zwei Jahre später eine Todesanzeige in der Zeitung las, konnte er das Leben einer der bedeutendsten amerikanischen Foto- Künstlerinnen erforschen. In seiner Doku erzählt er die Geschichte dieser Fotografin, Vivian Maier, die als Kindermädchen ihr Geld verdiente und deren Bilder erst nach ihrem Tod bekannt wurden.
Einführung: Melanie Baumgärtner

LOVE IS THE DEVIL – STUDY FOR A PORTRAIT OF FRANCIS BACON ist der erste Spielfilm über den berühmten, kontroversen Maler Francis Bacon (1909-92). Mit Sir Derek Jacobi in der Rolle Bacons und Daniel Craig (dem neuen James Bond) als George Dyer, Liebhaber, Modell und Muse des Künstlers, gelang dem Autor und Regisseur John Maybury ein spannendes und stilsicheres Debüt, das die Ästhetik und Faszination der Malerei Bacons originell in einen Spielfilm überträgt. Vor dem Hintergrund der Bohème im Swinging London der 60er Jahre, wo Kunstwelt und demi monde nahtlos miteinander verschmelzen, verfolgt LOVE IS THE DEVIL die turbulente und dramatische Liebesgeschichte zwischen Bacon und Dyer, deren emotionale Dynamik der Maler in seinen berühmten Portraits von Dyer festgehalten hat, von ihrem ersten Zusammentreffen bis zum tragischen Ende. Unterstützt wird der dramatische Ton durch die Musik des mehrfach preisgekrönten japanischen Komponisten Ryuichi Sakamoto (DER LETZTE KAISER, DER HIMMEL ÜBER DER WÜSTE). Mit einem Kurzvortrag von Dr. Peter Bär zur Bildvorlage und der Orientierung für Ausstattung und Kamera an Bacon im Film „Das Schweigen der Lämmer”.

Sechs Frauen bemühen sich in einer lateinamerikanischen Küstenstadt um die Adoption eines Babys. US-Independent-Filmer John Sayles (CITY OF HOPE) konfrontiert die Ängste und Hoffnungen der Amerikanerinnen mit dem traurigen Alltag der Straßenkinder, für deren Schicksal sich niemand interessiert.

„Sparrow“ (Spatz) ist in Hongkong ein Slang-Wort für Taschendiebe. Es spielt auf die Fingerfertigkeit an, sich der Portemonnaies aus fremder Leute Taschen zu bedienen. Kei ist einer dieser „Spatzen“, und ein sehr professioneller. Wenn er nicht gerade seinem Broterwerb nachgeht, fährt er gern mit seinem Fahrrad durch die Stadt und fotografiert. Eines Tages taucht die schöne Chun Lei vor seiner Linse auf. Kei ist fasziniert. Doch hinter Chun Leis makellosem Äußeren liegt eine geheimnisvolle Vergangenheit… (also ab 18)

Johnnie To ist zur Zeit einer der interessantesten Filmemacher aus Hongkong. Er begann seine Karriere 1972 in der Drehbuchabteilung eines Fernsehsenders, von wo er sich schnell zum Produzenten und Regisseur hocharbeitete. Erst in den letzten Jahren entwickelte er sich vom Handwerker zum Autorenfilmer und wurde auf Festivals in Hongkong (1999) und in Berlin (2000) mit Hommagen geehrt. Tos Filme sind der Versuch, asiatische Kampfkunst und Action in stilisierter, und teilweise hochartifizieller Manier mit realistischen Geschichten über „ganz normale Menschen“ zusammenzubringen, die die Angst vor Tod und Einsamkeit und die Sehnsucht nach Geborgenheit umtreibt. Nachdem im Dezember letzten Jahres bereits RUNNING OUT OF TIME und THE MISSION bei uns zu sehen waren, können wir jetzt auch Tos dritten Film aus dem Jahr 99 zeigen: WHERE A GOOD MAN GOES. Nach einem langjährigen Gefängnisaufenthalt versucht der Gangster Michael wieder in seinem Viertel Fuß zu fassen. Von seinem Hotelzimmer aus geht er auf kleinkriminelle Streifzüge und sucht seine alten Bekannten. Doch die heutigen Triaden sind dem lange isolierten Michael fremd geworden, die früheren Gangsterfreunde sind für ihn zu unbeholfenen und verarmten Witzfiguren geschrumpft. Die ungewöhnlichen Charaktere werden von Tos Lieblingsschauspielern Lau Ching- Wan und Ruby Wong eindrucksvoll mit Leben gefüllt. Besonders Ruby Wong spielt die Rolle einer Hotelbesitzerin mit einer Bestimmtheit und Stärke, wie sie im männerdominierten Hongkong-Kino selten zu finden ist.

Der Blues sei die Mutter aller modernen Musikstile, sagen die einen. Die anderen empfinden ihn als angenehm hörbar, wieder andere hören nichts anderes. Entstanden im schwarzen Amerika aus der Erfahrung von Armut, Ausgrenzung und Angst ist B.B. King heute sicher einer der bekanntesten Vertreter des Genres. Der Blues-Sänger, der als Riley B. King geboren wurde, kannte als Kind vor allem die Armut, die Einsamkeit und den alltäglichen Rassismus in Mississippi. Die Doku begleitet den Musiker bei seinen eindringlichen Erinnerungen an früher und zeigt Auftritte im Hier und Jetzt. Ein MUSS für alle Bluesfans!

Ein proletarisches Pärchen ist auf der Reise durch die USA, zunächst ziellos, dann auf dem Weg nach Kalifornien – ihrem Traumland. Doch wichtiger als die Geschichte von FRAME UP ist die Machart des Films: Durch Dekonstruktion des konventionellen amerikanischen Films und die Neuzusammensetzung der einzelnen Teile erschafft Jon Jost eine andere Welt, die nicht von der Freiheit des einzelnen, sondern vom Ein – bzw. Ausgeschlossensein erzählt. Das alles entbehrt nicht einer gewissen Komik, schafft aber vor allem Distanz – also ein analytisch-soziologischer Blick vielleicht? Spätestens am Ende merkt man dann doch, wie nah man den Personen eigentlich war. In Kooperation mit dem Zeitraum-Exit-Büro.