Filmarchiv
Lust zu stöbern? Hier finden Sie Filme, die seit Januar 2001 im Cinema Quadrat gezeigt wurden.
Heute läuft der von dir abgestimmte Wunschfilm!
Nach jeder Kinderkinovorstellung kannst du für einen Film abstimmen, den wir dann im Mai zeigen werden! Du kannst entweder einen Film aus unserer Liste wählen oder eine eigene Filmidee einbringen. So lernen wir deinen Geschmack kennen. Vielleicht taucht der eine oder andere Film ja auch in einer der nächsten Kinderkinostaffeln auf!
Der junge Asante ist Leichenwagenfahrer in Ghana, und dieser Beruf hat im ausgeprägten Totenkult des Landes eine wichtige Funktion. Der Haken: Wegen seiner Nähe zu den Toten meidet jede Frau seine Gesellschaft. Eines Tages aber läuft ihm die attraktive Esi über den Weg, Tänzerin in einer traditionellen Tanzgruppe. Sie braucht Hilfe, da sie die Leiche ihrer geliebten Mutter in ihr Dorf zurückbringen will. Asante verliebt sich in sie und setzt alles daran, sie für sich zu gewinnen. Tatsächlich scheint er schon bald am Ziel seiner Wünsche zu sein, doch Esis Vater will von Hochzeitsplänen nichts hören und macht klar: Nur über meine Leiche… (also ab 18)
„Der Film ist von einer oft überwältigenden visuellen Pracht und stellt King Hu in die erste Reihe der zeitgenössischen Filmemacher“, schrieb die LA Times über diesen Klassiker des asiatischen Kinos. Es geht um den jungen Gelehrten Gu im China der Ming-Dynastie, der sich in Yang verliebt. Diese ist auf der Flucht vor dem korrupten Obereunuchen des Kaisers, und Gu, der unbeholfen-naive Schreiber, wird in den blutigen Konflikt um Yang hineingezogen. Der Film vereint stilbildende Martial Arts mit wunderschönen Landschaftsaufnahmen und buddhistische Philosophie. Der Film aus dem Cinema Quadrat-Gründungsjahr 1971 wurde so zu einem einflussreichen Vorbild fürs (nicht nur) asiatische Actionkino und kann nun erneut auf der großen Kinoleinwand erlebt werden.
Nach einer erfolgreichen Intrige wird General Yu von seinem politischen Gegner, dem Obereunuchen Zhao, hingerichtet; seine Kinder fliehen. Zhao setzt alles daran, sie auf ihrem Weg ins Exil umzubringen. An der einsamen Herberge zum Drachentor legt er einen Hinterhalt. Doch die treuen Gefolgsleute des gemeuchelten Generals eilen zur Hilfe – es entfesselt sich ein Kampf um Leben und Tod.
Der Film, der nach seiner Uraufführung 1967 in Korea, Taiwan und auf den Philippinen alle Zuschauerrekorde brach, gilt mit seinen dynamischen Kampfszenen als richtungsweisender Klassiker des Schwertkämpfer-Films und wurde nun in 4K-Qualität restauriert. „DRAGON INN ist für das Martial Arts-Genre, was STAGECOACH für den Western ist.“ (rogerebert.com)
Unter dem Druck von hoher Arbeitslosigkeit und Jugendkriminalität wurde die Millennium-Bildungsreform verabschiedet: Um Disziplinlosigkeit und schulischem Desinteresse vorzubeugen, wird alljährlich an einer Schulklasse ein staatliches Exempel statuiert. Die 15jährigen Schülerinnen und Schüler finden sich auf einer verlassenen Insel wieder und werden instruiert: Innerhalb von drei Tagen müssen sie sich gegenseitig umbringen, sonst werden die Halsbänder, die ihnen angelegt wurden, zur Explosion gebracht. Es folgt ein blutiges Massaker.
Das kontroverse Drama BATTLE ROYAL scheint wie ein harter Vorläufer der TRIBUTE VON PANEM. Wegen seiner Gewaltdarstellungen war der Film in Deutschland lange indiziert, kurzzeitig gar beschlagnahmt. Doch die brutale Gewalt wird nicht zum Selbstzweck eingesetzt – vielmehr ist sie Ausdruck der komplexen Sozialstrukturen, die der Film zeigt: Wo der Psychopath mit Maschinenpistole alle niedermäht, wo die erfolgsorientierte Ehrgeizige kaltblütig mordet, finden sich auch Bündnisse und Rettungsversuche.
Wir zeigen den Extended Cut, der mit heftigeren Bildern aufwartet und die Figurencharakteristika vertieft.
Im Nachkriegs-Japan sind Gewalt und Kriminalität an der Tagesordnung. Weder die amerikanischen Besatzer noch die japanische Polizei vermögen für Recht und Ordnung zu sorgen – es sind die Yakuza, die die Straße fest im Griff haben. Um einen Freund zu rächen, ermordet der junge Kriegsheimkehrer Shozo Hirono einen Yakuza und kommt ins Gefängnis. Dort schließt er Blutsbrüderschaft mit einem Yakuza des Doi-Syndikats. Wieder auf freiem Fuß wird er Mitglied im konkurrierenden Yamamori-Syndikat. Es kommt zum längsten und blutigsten Yakuza-Krieg Japans.
Der quasidokumentarisch daherkommende, packende und gewaltvolle Film basiert auf Aufzeichnungen eines echten Yakuza. Die Filmhandlung umspannt ausgehend von Hiroshima 1946 ein Jahrzehnt – ein grimmiger, ungeschönter Gangsterthriller, der als fünftbester japanischer Film gilt: „ein Meilenstein des Genres.“ (critic.de)
„Bollywood in einer neuen Dimension“, schreibt filmundkunst.de: „Weder Gesang noch bunte Tänze oder Kitsch. Stattdessen Individualisten, die mit der Liebe experimentieren. Ein westliche Augen öffnendes Meisterwerk.“
Eine Stadt, vier Menschen, viele Geschichten von möglicher Liebe und verpassten Chancen: Shai ist neu in Bombay. Die junge Hobby-Fotografin will die Heimat ihrer Eltern mit der Kamera erkunden. Sie trifft auf den unnahbaren Künstler Arun, doch ihre Wege trennen sich wieder nach einer gemeinsamen Nacht. Und während Arun sich in den schicksalhaften Videotagebüchern der ihm unbekannten Hausfrau Yasmin verliert, freundet sich Shai entgegen aller Konventionen mit dem Wäscher Munna an. Er führt sie durch die entlegensten Winkel der pulsierenden und modernden Metropole, verliebt sich und beginnt vom Unmöglichen zu träumen.
In Kooperation mit Zephyr – Raum für Fotografie der Reiss-Engelhorn-Museen.
Bob Flanagan, Autor und Performancekünstler starb 1996 im Alter von 43 Jahren an der Lungenkrankheit Mukoviszidose. Sein Leben war von Anfang an durch große Schmerzen geprägt. Um diese Schmerzen kontrollieren zu können und Qual in Lust zu verwandeln, fügte er sich selber Schmerzen zu. Gemeinsam mit seiner Lebensgefährtin Sheree Rose entwickelte er sadomasochistische Praktiken, die er dann in Performances umsetzte. So entstand eine Reihe von S/M Videos, die Teil dieses Films sind. Regisseur Kirby Dick begleitete Flanagan und Rose während der letzten beiden Jahre seines Lebens mit der Kamera und schuf das Porträt eines ungewöhnlichen Künstlers, das sich auch mit Flanagans nahendem Tod beschäftigt. Der Film gewann 1997 beim Sundance-Filmfestival den Spezialpreis der Jury und sorgte im Panorama-Programm der Berlinale im selben Jahr für helle Aufregung. „Unforgettable… among the most intimate love scenes ever filmed… a groundbreaking documentary“ (New York Times)
Jacques Derrida gilt als einer der wichtigsten Philosophen unserer Zeit. Er ist weltweit vor allem als der Vater der „Dekonstruktion“ bekannt. Über fünf Jahre lang folgten die beiden Filmemacher Amy Ziering und Kirby Dick dem ruhelosen Weißhaarigen, besuchten ihn privat in Paris und New York und begleiteten den Denker auf seinen Vortragsreisen. Der Film zeigt Derrida, wie er über Liebe und Gewalt, über Narzissmus und Ruhm oder den Tod seiner Mutter spricht, wie er sich kämmt, wie er isst oder mit feinem Witz scherzt. Und er zeigt viel von Derridas Charakter, seinem grüblerischen Snobismus oder seiner Widerwilligkeit, eigene Geheimnis preiszugeben, obwohl ihn diese bei anderen Philosophen im höchsten Maße interessieren. DERRIDA ist nicht nur die Skizze einer Biografie, auch nicht nur eine Einführung in Derridas Denken, sondern vielmehr ein dichter und unterhaltsamer Dialog, dessen Themen und Inszenierung die Theorien des Philosophen reflektieren.
In einem kleinen Dorf an der Nordostküste Brasiliens fristet der junge Fischer Jusce sein Leben damit, mit ungenügender Ausrüstung 30 Meter tief nach Hummern zu tauchen. Sein „Gewinn“ am Ende eines langen und riskanten Arbeitstages ist es, nahe bei Ana zu sitzen, währenddessen diese ihre Lieblings-Soap genießt. Ana träumt davon, das Dorf zu verlassen, um die Welt zu entdecken. Jusce hingegen ist zufrieden mit dem Leben, das er führt…
Benjamin, Schüler an einer aufgeklärten, staatlichen Schule, weigert sich, am Schwimmunterricht teilzunehmen. Nicht, wie seine Mutter vermutet, wegen unkontrollierbarer Erektionen, sondern weil der Anblick seiner minimal bekleideten Mitschülerinnen seine religiösen Gefühle verletzt. Denn Benjamin ist konvertiert – zum Christentum. Ab jetzt bedient er sich bei einer schier unendlichen Ressource der Aggression: der Bibel. Als Missionar und Kreuzzügler gegen Homosexualität, Scheidungen und Evolutionstheorie ist der Jugendliche auf Rebellionskurs. Und tatsächlich werden alsbald Bikinis aus der Schwimmstunde ebenso wie Kondome aus dem Bio-Unterricht verbannt.
Diese wilde und furiose Groteske voll pechschwarzen Humors hält uns die Fallen aktueller Denkmuster gnadenlos vor Augen – gemünzt natürlich auf die Situation in Russland; aber nicht nur: Der Film basiert auf dem deutschen Theaterstück „Märtyrer“ von Marius von Mayenburg.
Petrov, fiebrig schwitzend, wird aus einem übervollen Straßenbahnwaggon für die Erschießung von Rebellen rekrutiert, erhält eine Mitfahrgelegenheit im Leichenwagen und imaginiert sich in seine Kindheit zurück, während seine Frau, Bibliothekarin, in Gewaltfantasien schwelgt und an Weihnachten die Schneefee kurz vor dem Zusammenbruch steht. Kirill Serebrennikov, einer der profiliertesten russischen Künstler und seit Kurzem im Berliner Exil lebend, schuf mit diesem halluzinativ-delirierenden Film ein faszinierendes, vielschichtiges, visuell eindrückliches Werk: der Postsozialismus als künstliche Welt, in der Imagination die Realität überlappt und die Welt zum Fiebertraum wird – atemlos durch die russische Nacht. „Ein dunkles, wunderbar seltsames Ungeheuer von einem Film, ein schwarzhumoriges Labyrinth der Absurditäten.“ (Süddeutsche Zeitung)
Leningrad, ein Sommer zu Beginn der 1980er. Die Underground-Rockszene brodelt. Mike und seine Frau Natascha lernen den charismatischen Musiker Viktor Zoi kennen. Ihre unbändige Leidenschaft für die Musik verbindet sie schnell zu einer eigenwilligen Dreieckskonstellation … Nach der wahren Geschichte der russischen Rockband Kino erzählt Kirill Serebrennikow – der in Russland unter Hausarrest steht – von einer freiheitsliebenden Generation kurz vor der Perestroika, als Musiker staatlich kontrollierter Konzerte das Schicksal des Rock’n’Rolls in der Sowjetunion veränderten.
In Cannes für den besten Soundtrack ausgezeichnet.
Inspiriert von ihrer eigenen Jugend im finnischen Tampere erzählt die Filmemacherin eine Geschichte aus der Pubertät, einer Zeit, in der alles sehr zerbrechlich, einmalig und verletzbar ist. In ihrem Freundeskreis spricht die 16jährige Sonja erfahren über Sex, aber ihrer besten Freundin Julia erzählt sie, dass sie noch nie mit einem Jungen geschlafen hat -– nicht mal mit ihrem Freund Anton. Stattdessen bemerkt Sonja ihre neuen Gefühle für Julia, die sie jedoch unterdrückt. Nachdem sie ein Wochenende bei ihrem Vater an der Ostsee verbracht hat, ist nichts mehr so wie es war… „Der Ursprung für diese Geschichte liegt in meiner eigenen Jugendzeit in einer kleinen Stadt in Finnland, in Tampere. Unsere Umgebung bestand aus grauen Plattenbauten, aber wir waren 16, und unsere Seelen und unsere Herzen waren voll von glücklichen Farben, Hoffnung, Neugier und unruhigen Träumen … wie die dünnen, sich bewegenden Schwingen des Schmetterlings”, sagt Kirsi Marie Liimatainen über ihr Spielfilmdebüt. SONJA lieg mit Erfolg beim Verzaubert Film Festival und bei den Lesbisch-Schwulen Filmtagen, unter anderem in Hamburg.
Zwei versprengte Seelen in Hong Kong – Ricky, ein Immigrant vom chinesischen Festland, arbeitet als Kellner in einem Restaurant und wohnt bei seiner Tante Wella, einer Prostituierten. Der Schweizer Pascal lebt in den Tag hinein, hält sich mit Taschendiebstahl und Betrügereien über Wasser und lässt sich von seinem Freund aushalten. Als Ricky und Pascal aufeinandertreffen, ist es die große Liebe – eine traumverlorene Zeit aus Berührungen, kleinen Gesten, tiefem Vertrauen… Sie ziehen zusammen und bauen sich eine kleine heile Welt inmitten des postkolonialen Molochs. Gerade als die Beziehung der beiden harmonischer wird, kommt Pascal bei einem Unfall ums Leben. Ricky trägt seine Trauer in die Schweiz und sucht nach Spuren von Pascal. In einem Secondhand-Laden trifft er Ueli, der Pascal zwar verblüffend ähnlich sieht, sich aber ansonsten sehr von ihm unterscheidet.
Nach zehn Jahren im Koma erwacht ein junger Mann im Krankenhausbett, doch niemand scheint sich für ihn zu interessieren. Yutakas Familie ist auseinandergebrochen und so kommt er bei einem Freund seines Vaters unter. Er gründet eine Ponyfarm, spürt seine Verwandten auf und versucht seine Familie wieder zusammenzuführen. ALS MENSCH ZUGELASSEN ist eine beinahe abstrakte Meditation über das Verstreichen von Zeit. Ein ganzes Menschenleben komprimiert Yutaka in ein knappes Jahr. Mit lakonischem Humor beschreibt Kurosawa die Illusion von einer Familie, die es nicht mehr gibt, von der zu träumen aber nach wie vor Sinn macht. In bedächtigem Tempo, mit sparsamen Dialogen erzählt und in sorgsam ausgewählten Farben und Bildern inszeniert, mit ironischen Musikeinlagen unterlegt, gelingt es dem Film, das Publikum in seinen Bann zu ziehen und mit den Figuren, den Familienmitgliedern und ihrer ungewöhnlichen Situation mitfühlen zu lassen.
Der Fisch will nicht ins Netz, auf dem Rummelplatz wird ihr speiübel – doch Yoko muss vor der Kamera gute Miene machen: Als Starmoderatorin dreht sie mit ihrem Filmteam für ein Reisemagazin Berichte entlang der Seidenstraße in Usbekistan. Doch mit ihrer Abenteuerlust ist es nicht gut bestellt, ebensowenig mit ihrer Neugier auf Land und Leute, der ihre Zurückhaltung im Weg steht. Sie ist mit den Gedanken bei ihrem Freund, bei ihrem Traum, Sängerin zu werden – und alles geht schief bei ihren Reportagen. Und doch – oder gerade deswegen – wird ihre Reise durch die fremde Kultur zu einem Initiationsweg.
Kiyoshi Kurosawa – bekannt für Genrearbeiten im Thriller-, Horror- und Fantasybereich – drehte in Usbekistan „ein tief persönliches Projekt, das durch seine souveräne Erzähllinie und eine schwerelose Inszenierung besticht.“ (Filmbulletin) Mit dem japanischen Superstar Atsuko Maeda in der Hauptrolle inszeniert er einen charmant-lässigen Selbstfindungstrip, der das Publikum mit auf die Reise nimmt, ein „Lost in Translation“ in Usbekistan.
Inside Out ist ein intimes Porträt des weltbekannten Star-Fotografen und Filmemachers, der in seiner Arbeit die Liebe zu Fotografie und Musik verbindet. Mit Schwarzweiß-Fotografi en und Musikvideos von Größen wie Joy Division, Johnny Cash, Depeche Mode, R.E.M, The Rolling Stones, U2 oder Nirvana sowie namhaften Schauspielern und Regisseuren wurde Corbijn berühmt. In seinem fulminanten Spielfilmdebüt CONTROL, den wir auch zeigen, erzählte er die Geschichte des legendären Joy Division-Sängers Ian Curtis. Es folgten zahlreiche Auszeichnungen und Preise auf Filmfestivals weltweit. Das virtuelle Filmkonzept versteht es, die Schönheit der Arbeiten Corbijns zu spiegeln. Außerdem ist es gelungen, einige sehr private Einblicke in das Leben des introvertierten Virtuosen zu geben. (ohne Altersbeschränkung)
Seit drei Jahrzehnten bestimmt Anton Corbijn unsere Sicht auf die Popkultur. Die Fotografien des Niederländers zieren CD-Cover, seine Musikvideos werden im Fernsehen gespielt, die Filme sind Kassenschlager. Fast die gesamte Prominenz der Rock- und Popszene stand schon vor seiner Kamera; von Tom Waits über die Rolling Stones bis U2. „Wenig Sex, viel Tod“, so fasst der Fotograf und Regisseur seine Arbeit selbst zusammen. Klaartje Quirijns Dokumentarfilm über den ewig Publikumsscheuen gibt mittels Interviews mit Bono oder George Clooney Einblicke in Corbijns Berufs- und Privatleben.
Einführung: Stephanie Regenbrecht, M.A.
Lima im Sommer 1992: die Ereignisse überschlagen sich zwischen galoppierender Inflation und Terrorakten des „Leuchtenden Pfads“. Inmitten des sozialen und politischen Chaos bereiten sich Lucia und Aurora zusammen mit ihrer Mutter Elena auf die Abreise aus Peru in die USA vor. Mit widersprüchlichen Gefühlen blicken die drei ihrem Abschied entgegen – von ihrem Land, von Familie und Freund*innen und von Carlos, Vater und Ex-Ehemann. Der, ein charmanter Luftikus, hat sich schon lange kaum mehr blicken lassen. Nun, als das Reisedatum näher rückt, versucht er, sich seinen Töchtern wieder anzunähern…
Regisseurin Klaudia Reynicke verließ selbst im Alter von zehn Jahren mit einem Teil ihrer Familie Peru. Ihr Film zeichnet das vielschichtige Bild einer Familie und eines Landes. Auf der Berlinale mit dem Großen Preis der Internationalen Jury in der Sektion Kplus ausgezeichnet.
Die schweizerisch-peruanische Drehbuchautorin und Regisseurin Klaudia Reynicke ist zwischen Peru, der Schweiz und den USA aufgewachsen. Ihre Spielfilme IL NIDO (2016) und LOVE ME TENDER (2019) liefen beide in Locarno und weiteren renommierten Festivals, ihr dritter Film REINAS wurde in Sundance uraufgeführt, auf der Berlinale ausgezeichnet und für den Oscar nominiert.
