„Mordwand“ wird sie auch genannt, die Eiger Nordwand in den Berner Alpen. Sie ist der Schauplatz für ein Drama, das sich 1936 tatsächlich ereignete: Toni Kurz und Andi Hinterstoisser möchten unbedingt die ersten sein, die sie bezwingen. Als Belohnung winken Ruhm, sozialer Aufstieg und eine olympische Goldmedaille. Die beiden Kletterer machen sich, gefolgt von zwei Österreichern, an den Aufstieg, beobachtet von der Weltöffentlichkeit und von Tonis Jugendliebe Luise. Als das Wetter umschlägt, beginnt der Kampf auf Leben und Tod. Der bekannte Opern-, Videoclip-, Werbe- und Spielfilmregisseur Philipp Stölzl hat eine aufgeladene Atmosphäre inszeniert und packende Bilder für die dramatische Geschichte geschaffen.

Welcome ist – das wird schnell klar – ein überaus ironischer Filmtitel. Denn der 17-jährige Kurde Bilal, der sich nichts sehnlicher wünscht, als zu seiner Freundin nach England zu gelangen, hängt im Behördenstau der französischen Hafenstadt Calais fest – und ist dort alles andere als willkommen. Schnell erfährt er, dass er als illegaler Immigrant das französische Festland nicht verlassen darf. So entschließt er sich, den Ärmelkanal schwimmend zu überqueren und kommt dadurch in Kontakt mit dem örtlichen Schwimmtrainer Simon. WELCOME zeigt, wie westliche Demokratien mit Flüchtlingen umgehen und zu welch unvorstellbaren Maßnahmen diese greifen, um ihr Ziel zu erreichen. Ein gewaltiges, grandioses Werk aus Frankreich, dessen Aussage überall Geltung hat.

Eigentlich hätte Johan der Hauptdarsteller eines Films sein sollen. Doch Johann sitzt im Gefängnis. Die Suche nach einem geeigneten Ersatz führt den Regisseur ins homosexuelle Milieu des Paris der 70-er Jahre: zu Freunden und Feinden von Johann. Aber nachdem er die gesamte Schwulenszene abgesucht und tiefschürfende Diskussionen mit seiner Schwulen-Freundin und seiner Mutter geführt hat, kommt er zu dem unausweichlichen Schluss: Der schöne, geheimnisvolle Johann ist durch niemanden zu ersetzen. Der Film startete 1975 nur zensiert in den Kinos.

Als die Flugbegleiterin Ellen erfährt, dass ihr langjähriger Freund Florian mit einer anderen Frau ein Kind erwartet, bricht für sie eine Welt zusammen. Sie muss weg – aus ihrem Alltag und aus dem Flugzeug, das in Kürze abheben soll. Sie verlässt ihren Arbeitsplatz und schließt sich einer Gruppe von Tierschutzaktivisten an, die sie bald kennen lernt. Einer von ihnen ist Karl, der auf der Flucht vor dem Wehrdienst ist und selbst auf dem Weg in ein neues Leben. Was sich zwischen den beiden entwickelt, ist eine außergewöhnlich intensive Beziehung… Ein in Frankreich gedrehter Film in deutscher Sprache.

Für seinen Debütfilm arbeitete Pasolini mit Laiendarstellern, die er auch an der Drehbuch-Arbeit beteiligte. Nicht zuletzt deswegen gelang ihm mit ACCATTONE eine eindrucksvolle Milieustudie. Im Mittelpunkt steht der junge Vittorio, von allen nur „Accattone“ genannt, was so viel wie „Schmarotzer“ bedeutet. Er lebt in einem armen Viertel Roms und versucht sich als Zuhälter. Als aber seine einzige Hure ausfällt, geht es immer weiter bergab mit ihm. Erst die Begegnung mit der unschuldigen und hübschen Stella scheint daran etwas ändern zu können.

Als der Film auf dem Festival in Venedig Premiere hatte, gab es ein großes Pfeifkonzert: Was hatte der als Atheist bekannte Regisseur mit Jesus zu schaffen? In Italien waren Pasolinis Filme nie bloß cineastische Ereignisse, sondern immer auch gesellschaftliche, begleitet von ideologischen Debatten und politischen Spekulationen. Doch wer einen Skandal erwartet hatte, wurde enttäuscht. Der Film folgt streng dem Bibeltext von der Verkündigung bis zum Tod am Kreuz. Entgegen dem Trend drehte Pasolini aber keinen Monumentalschinken, sondern einen Film über die soziale Realität der damaligen Zeit.

Pasolinis Jesus stammt aus einer archaischen Welt, einem Kosmos von Bauern, Fischern und Handwerkern, der sich in den verarmten Regionen des italienischen Mezzogiorno, in Kalabrien, Apulien, der Basilikata und Sizilien über die Zeiten hinweg erhalten hatte. Pasolini besetzte den Film mit Laiendarstellern aus der Region und übernahm für den Dialog den Text des Matthäus-Evangeliums fast unverändert. Der Wortlaut der Reden Jesu, die kargen Landschaften, die schlichte Geometrie der Bauten und die prägnanten Gesichter lassen ein Jesus-Bild entstehen, das eine packende Authentizitäts-Illusion erzeugt. Die Nähe zum Originaltext und seine künstlerische Integrität haben dem Film einen selten einmütigen Beifall von Theologie und Kirche eingebracht, von konservativen Kreisen abgesehen, die an Pasolinis Marxismus und seiner Homosexualität Anstoß nahmen. In ungewöhnlicher Klarheit wird in Pasolinis Film-Evangelium auch die umstürzlerische Botschaft Jesu deutlich, ein prophetischer Aufruf zur Umkehr, der bis heute nichts von seiner provokativen Kraft verloren hat.
Im Anschluss Diskussion mit Ilka Sobottke und Karsten Visarius.

Als DAS ERSTE EVANGELIUM (kein Bindestrich) MATTHÄUS 1964 auf dem Festival in Venedig zur Erstaufführung kam, gab es zuvor ein großes Pfeifkonzert: Was hatte der als Atheist bekannte Regisseur mit Jesus zu schaffen? In Italien waren Pasolinis Filme nie bloß cineastische Ereignisse, sondern immer auch gesellschaftliche, die von ideologischen Debatten und politischen Spekulationen begleitet wurden. Doch wer einen Skandal erwartet hatte, wurde enttäuscht. Der Film folgt streng dem Bibeltext von der Verkündigung bis zum Tod am Kreuz. Entgegen einem damals aktuellen Trend der Filmindustrie drehte Pasolini keinen Monumentalfilm mit Pappmaché-Staffage. Sein Interesse galt der sozialen Realität, den Menschen zur Zeit Christus‘, dem Volk, seiner Armut, seinen Landschaften. Diese fand er in Süditalien, in Apulien und Kalabrien. Pasolini stellt Jesus in eine ländliche Gesellschaft, wie sie zweitausend Jahre vorher auch nicht viel anders gewesen sein mag. Die Gesichter, die Werkzeuge, die Hütten sind Ausdruck Jahrhunderte alter Geschichte, sie zeugen ebenso von Elend und Unterdrückung wie von Stolz und Selbstbehauptungswillen. Pasolinis Christus bekam stark autobiographische Züge: der Außenseiter, der mit der Gesellschaft und stellvertretend für sie leidet, der die Armen, das Volk liebt und die Mächtigen haßt.

Immer wieder hat Pasolini sich mit antiken Mythen beschäftigt – hier mit Ödipus, dem Drama um einen jungen Mann, der zum Vatermörder wird, besessen ist von der Liebe zu seiner Mutter und sich am Ende durch die Zerstörung seiner Sehkraft bestraft. Es sei sein am meisten autobiografischer Film, hat Pasolini einmal bekannt. In EDIPO RE stellt er eine moderne Ödipus-Figur aus dem Bologna des 20. Jahrhunderts der antiken Sagengestalt des Sophokles gegenüber.

Jason, Sohn von König Aison, ist auf der Suche nach dem Goldenen Vlies, mit dessen Kraft er seinen Onkel Pelias vom unrechtmäßig erworbenen Thron stoßen will. In Kolchis trifft er auf Medea, die sich sofort in ihn verliebt und ihm hilft, das Vlies zu bekommen. Zurück in Jasons Heimat heiraten die beiden. Medea schenkt ihrem Mann zwei Kinder, doch das Glück währt nicht lange. Aus Ehrgeiz verlässt Jason seine Familie, um Glauke, die junge Tochter des Königs von Korinth, zu heiraten. Medea ist blind vor Eifersucht und nimmt grausame Rache… Pasolinis packende, emotionale Inszenierung der antiken Argonautensage beeindruckt vor allem durch Operndiva Maria Callas in der Rolle der verstoßenen Medea, die aus Rache ihre eigenen Kinder ermordet.

In der Republik von »Salò«, dem letzten Refugium italienischer Faschisten kurz vor dem Ende der Mussolini-Herrschaft, veranstaltet eine Gruppe sadistischer Grossbürger eine menschenverachtende Lustorgie: Junge Männer und Frauen werden missbraucht, erniedrigt und schließlich zu Tode gequält. In seinem letzten Film entwirft Pasolini, jenseits von spekulativen Intentionen und ästhetischer Gefälligkeit, eine schockierende Vision menschlicher Machtbesessenheit und barbarischer Zerstörungslust inmitten hochgeistiger kultureller Verfeinerung. Der nach einem Roman des Marquis de Sade entwickelte Stoff ist im Jahr 1944 angesiedelt, dient jedoch auch als Kommentar zur hedonistischen Konsumgesellschaft der Nachkriegszeit. Der Film wurde im Erscheinungsjahr 1975 verboten. Am Morgen des 2. November 1975 fand man Pasolini tot auf einem Bolzplatz, mit zerbrochenem Schädel und von seinem eigenen Auto überfahren. Ein Tod wie in einem seiner Filme. Ein rechtsradikaler Anschlag wurde nicht ausgeschlossen. Zwei Monate darauf gelangte DIE 120 TAGE VON SODOM, der Zensur unterworfen, in die Kinos.

In der Republik von „Salò“, dem letzten Refugium italienischer Faschisten kurz vor dem Ende der Mussolini-Herrschaft, veranstaltet eine Gruppe sadistischer Großbürger eine menschenverachtende Orgie: Junge Männer und Frauen werden missbraucht, erniedrigt und zu Tode gequält. In seinem letzten Film entwirft Pasolini eine schockierende Vision menschlicher Machtbesessenheit und barbarischer Zerstörungslust inmitten hochgeistiger kultureller Verfeinerung. Der Film wurde verboten – und im Herbst des Entstehungsjahres 1975 fand man Pasolini mit zerbrochenem Schädel, von seinem eigenen Auto überfahren.

Ein Gott inmitten einer bourgeoisen Familie, der Einbruch des Heiligen in eine materialistische und heillose Welt, das ist das Theorem, das der Film in klaren, fast mathematischen Schritten entwickelt: Ein schöner, schweigsamer junger Mann kommt als geheimnisvoll angekündigter Besuch in eine Mailänder Industriellenfamilie. Er erweckt bei allen Hausbewohnern – den Eltern, den beiden erwachsenen Kindern, dem bäuerlichen Hausmädchen – bisher verdrängte und verborgene Wünsche, die sich zuerst als sexuelles Begehren kundtun. Nachdem jeder auf seine Weise diese ersehnte Vereinigung mit dem Unbekannten erfahren hat, verschwindet er wieder – aber nach dem Besuch ist nichts wie vorher. Formale Strenge, Farbe, Star-Schauspieler und gehobenes Milieu: Pasolini überraschte 1968 damit, daß er die Probleme der Bourgeoisie in den Mittelpunkt stellte und die Kritik an dieser Klasse auch noch im Namen des Heiligen vortrug. TEOREMA provozierte sowohl die Marxisten als auch die Katholiken. Mit einem Vortrag von L. Katz nd G. Schneider zu dem Thema „Die Gegenwart des (Ganz-) Anderen“.

Unser Gast im März ist der Galerist Angelo Falzone, der seine Karriere als unermüdlicher Vermittler von Kunst und Künstlern in dem wunderbaren Kunstraum „Halskratz“ begann, woran sich hoffentlich noch viele erinnern. 1965 geboren, hatte er von Anfang an sehr gute Kontakte nach Italien, stellt aber auch zeitgenössische deutsche Kunst aus. Wichtig war seine Entwicklung des Terminus „Ironischer Italienischer Konzeptualismus“ zur Beschreibung avantgardistischer Kunst aus Italien, der mittlerweile ein fester Begriff in der italienischen Kunstgeschichte geworden ist. Der Film seiner Wahl ist: TEOREMA. Ein schöner, schweigsamer junger Mann kommt wie ein Gott als geheimnisvoll angekündigter Besuch in eine Mailänder Industriellenfamilie. Er erweckt bei allen Hausbewohnern – den Eltern, den beiden erwachsenen Kindern, dem bäuerlichen Hausmädchen – bisher verdrängte und verborgene Wünsche, die sich zuerst als sexuelles Begehren kundtun. Nachdem jeder auf seine Weise diese ersehnte Vereinigung mit dem Unbekannten erfahren hat, verschwindet er wieder – aber nach dem Besuch ist nichts wie vorher. Formale Strenge, Farbe, Star-Schauspieler und gehobenes Milieu: Pasolini überraschte 1968 damit, dass er die Probleme der Bourgeoisie in den Mittelpunkt stellte und die Kritik an dieser Klasse auch noch im Namen eines Heiligen vortrug. TEOREMA provozierte sowohl die Marxisten als auch die Katholiken.