Fatih Akins sehr persönlich inszenierte Dokumentation zeigt das Leben türkischer Gastarbeiter und ihrer Familien in einer neuen Heimat, die ihnen vertraut und gleichzeitig auch oft fremd erscheint. „Wir haben einfach vergessen, wieder zurückzukehren“, kommentiert Akins Vater lakonisch die Frage des Regisseurs nach dem Grund ihres Bleibens. Aus den ursprünglich geplanten zwei Jahren in Deutschland sind mittlerweile 35 geworden. Andere entschieden sich dafür, doch zurückzukehren; viele folgten aus verschiedenen Gründen dem Ruf des Westens nicht und blieben in ihrem beschaulichen Fischerdorf. Und auch diese Daheimgebliebenen kommen zu Wort und reflektieren über den wahren Grund ihrer Heimatverbundenheit. Fatih Akin, der sich in seinem Erstlingswerk „kurz & schmerzlos“ bereits auf unterhaltsame Weise mit dem Leben junger Türken in Hamburg-Altona auseinandersetzte, sucht in seiner Dokumentation nach dem persönlichen und gesellschaftlichen Status der (türkischen) Einwanderer in Deutschland. In Kooperation mit dem Verein Kultur Rhein-Neckar e.V. anlässlich der Tagung „Visa vis – Kulturarbeit in der Einwanderungsgesellschaft. Mehr Informationen zur Tagung unter www.kupoge-rn.de.

Drei Münchner Polizisten engagieren den Berufskiller und Vietnamveteranen Ricky, damit er für sie einige Personen aus dem Weg räumt, die sie als „Gesetzeshüter“ nicht töten könnten. Sein erstes Opfer ist ein Zigeuner, sein zweites ein Mädchen, das mit Pornos und Infor-mationen handelt. Schließlich soll Ricky auch Rosa, die Geliebte eines der Polizisten töten. Von allen vergleichbaren Filmen Fassbinders ist dieser sicherlich am deutlichsten eine Paraphrase auf den amerikanischen Polizei- und Gangsterfilm. Doch was oberflächlich betrachtet nur wie ein Spiel mit Filmzitaten aussieht, erweist sich bei näherem Hinsehen als authentische Lebenserfahrung. Fassbinder sprengt die Grenzen des Genres und findet zu einer sehr persönlichen Sicht auf Lebensängste, Hoffnungen und Illusionen. „DER AMERIKANISCHE SOLDAT ist herrlich ironisch, witzig und brillant.“ (AZ Mannheim) + DAS KLEINE CHAOS, BRD 1967. 9 Min. Drei junge Leute sind als Abonnentenwerber für Illustrierte unterwegs. Sie nutzen die Gelegenheit, in Wohnungen zu gelangen, für einen Überfall auf eine Frau.

Als 1969 die ersten beiden Spielfilme Fassbinders aufgeführt wurden, war das der Beginn einer neuen Epoche im deutschen Kino. Zwar hatten innovative Ideen und Filme in der Folge des Oberhausener Manifests den Tod von Opas Kino bereits besiegelt, aber Fassbinder brachte eine neue Qualität in die Auseinandersetzung um den deutschen Film: Radikal in Form und Inhalt, kompromißlos gegenüber Verleihern und Fernsehredaktionen, operierte er mit Genres und einer Ästhetik, die seine Kritik an lebensfeindlichen Verhältnissen in der BRD einem breiten Publikum nahebringen sollte. Anlässlich von Fassbinders 20. Todestag zeigt Cinema Quadrat bis Anfang August insgesamt 8 Werke dieses bedeutenden Filmemachers. Wir beginnen die Reihe mit Fassbinders erstem Kurzfilm DER STADTSTREICHER und seiner ersten Spielfilmproduktion LIEBE IST KÄLTER ALS DER TOD. Ein Stadtstreicher findet eine Pistole. Vergeblich versucht er, die Waffe loszuwerden. Zwei Männer, die ihn beobachten, nehmen ihm die Pistole schließlich weg. DER STADTSTREICHER ist die Momentaufnahme eine Einsamen. Fassbinders Sympathie zeigt sich im ruhigen, beharrlichen Blick seiner Kamera, in der Wahl der melancholischen Musik und der Poesie eines kleinen Liedes, gesungen für eine Scheibe Brot.

Die Modeschöpferin Petra von Kant lebt in einem kostbar eingerichteten Wohnatelier, zusammen mit ihrer Assistentin und Dienerin Marlene, die wortlos alle Befehle ausführt und alle Launen über sich ergehen lässt. Petra verliebt sich in ein Mädchen, das gut zehn Jahre jünger ist als sie, Karin Thimm. Petra will die junge Karin ganz für sich haben, Karin die vermögende Petra ausnutzen, jedoch ihre Freiheit bewahren. Fassbinder sucht nach dem Leben unter der Schminke. Die Kamera gleitet dahin, umkreist Modellpuppen und puppenhafte Wesen, beobachtet Selbstinszenierung und Selbststilisierung, ein Abtasten, Ahnen, Blickeverschieben, Standortwechseln.

Franz Biberkopf, der arglose Proletarier, (der Name ist eine der vielen frühen Referenzen Fassbinders an den Helden von Döblins „Berlin Alexanderplatz“) gewinnt eine halbe Million im Lotto, gerät in bessere Kreise, lässt sich ausnehmen von den feinsinnigen Typen mit den geschliffenen Manieren und begreift viel zu spät, wie übel ihm mitgespielt worden ist. Der Mechanismus der Ausbeutung, in den Fassbinders Held gerät, entwickelt sich wie von selbst und funktioniert lückenlos, es bedarf nicht einmal eines Plans, um dieses eingeübte System zu praktizieren. Vorwürfe wurden Fassbinder wegen der Darstellung der Homosexuellen gemacht; die meisten von ihnen sind zickige, eitle, schwule Tunten, exotische Wesen wie fleischfressende Pflanzen. Im Laufe des Films indes erhalten sie ihre notwendige Selbstverständlichkeit. Fassbinder erklärte das Milieu ohnehin zur Nebensache: „Ich glaube, dass es zufällig ist und wurscht, dass die Geschichte unter Schwulen spielt. Sie könnte genauso gut unter anderen Leuten spielen. Ich glaube sogar, dass die Leute gerade deshalb genauer hingucken, als wenn’s nur eine ‘normale Liebesgeschichte’ wäre,…“

Franz wird aus dem Gefängnis entlassen und sucht frühere Bekannte auf. Die Nachtclub-sängerin Joanna, die ihn liebt, will ihm helfen. Doch um ihrem Besitzanspruch zu entkommen, verläßt er sie. Franz sucht seinen Bruder und findet ihn tot. Der „Gorilla“ Günther gibt zu, ihn erschossen zu haben. Franz lernt Margarethe kennen. Gemeinsam überlegen die drei, wie sie zu Geld kommen können, und Franz und Günther beschließen, einen Supermarkt zu überfallen. Doch die enttäuschte Joanna verrät sie. „Das Gangstermilieu ist sozusagen auch ein bürgerliches Milieu, nur mit umgekehrten Vorzeichen, aber mit den gleichen bürgerlichen Idealen. Meine Gangster sind Opfer der Bürgerlichkeit und keine Rebellen – wenn sie das wären, müßten sie sich anders verhalten. Die verhalten sich im Prinzip genauso wie sich der Kapitalismus und die bürgerliche Gesellschaft verhalten.“ (Fassbinder)

Als 1969 die ersten beiden Spielfilme Fassbinders aufgeführt wurden, war das der Beginn einer neuen Epoche im deutschen Kino. Zwar hatten innovative Ideen und Filme in der Folge des Oberhausener Manifests den Tod von Opas Kino bereits besiegelt, aber Fassbinder brachte eine neue Qualität in die Auseinandersetzung um den deutschen Film: Radikal in Form und Inhalt, kompromißlos gegenüber Verleihern und Fernsehredaktionen, operierte er mit Genres und einer Ästhetik, die seine Kritik an lebensfeindlichen Verhältnissen in der BRD einem breiten Publikum nahebringen sollte. Anlässlich von Fassbinders 20. Todestag zeigt Cinema Quadrat bis Anfang August insgesamt 8 Werke dieses bedeutenden Filmemachers. Wir beginnen die Reihe mit Fassbinders erstem Kurzfilm DER STADTSTREICHER und seiner ersten Spielfilmproduktion LIEBE IST KÄLTER ALS DER TOD. Der Zuhälter Franz weigert sich, einem Verbrechersyndikat beizutreten. Das Syndikat lässt ihn zusammenschlagen und setzt Bruno auf ihn an. Franz liebt Bruno, will auch seine Freundin Joanna, die für ihn auf den Strich geht, mit ihm teilen. Im Auftrag des Syndikats begeht Bruno Morde, die Franz angelastet werden sollen. Schließlich planen Bruno und Franz einen Banküberfall. Die Lust Fassbinders und seiner Darsteller, mit den Mustern amerikanischer und französischer Gangsterfilme zu spielen, erschöpft sich nicht darin, die Handlung einige bekannte Stationen des Genres durchlaufen zu lassen. Vielmehr ist das Interesse auf die Pausen zwischen den Aktionen gerichtet, auf das ‚Atemholen‘, in dem sich die Welt der Protagonisten entfaltet. „Was übrig bleibt, wenn man diesen Film gesehen hat, das ist nicht,… dass es hier ein paar Tote gegeben hat, sondern dass hier arme Leute waren, die nichts mit sich anfangen konnten,… und denen keine Möglichkeit gegeben wurde – die einfach keine haben. (Fassbinder)

In einem Hotel am Meer wartet ein Filmteam auf den Regisseur und den Star, das Geld der Staatlichen Filmförderung und das Filmmaterial. Es herrscht eine Stimmung gemischt aus Hysterie und Apathie, Hoffnungen, Gezänk, Neid und Affären. Als der Regisseur mit seinem Star ankommt, wird er sofort zum Mittelpunkt des Chaos. Der Film beginnt mit einer Kamerafahrt und einem 360 Grad-Schwenk durch die Hotelhalle, in der vom Filmemachen geredet wird und die Protagonisten ihre Selbstdarstellungen zelebrieren. Einige Zeit später zeigt ein nahezu gleicher Rundumschwenk einen fast leeren Raum, nur das Rauschen des Meeres ist zu hören. Und doch ist die Szene beredt, der Zuschauer füllt sie mit Erinnerungen an die vorherigen Ereignisse des Films und mit Partikeln seines eigenen Lebens. Fassbinder fordert lebendige Phantasie heraus und öffnet den Film für die Wirklichkeit. „Ohne dass sie es recht bemerken, ist aus dramatischer Hysterie und klischierter Leidenschaft etwas entstanden, was sie nie recht greifen konnten, was den Grund ihrer Verwirrung ausmachte, was sie sündigen und beten ließ: der Film, der sie anzieht und sich ihnen entzieht, der Film – eine heilige Nutte.“ (R. W. Fassbinder)

Hermann Küsters, seit 20 Jahren Arbeiter in einer Frankfurter Reifenfabrik, dreht aus Angst vor Massenentlassungen durch. Er erschießt seinen Vorgesetzten und dann sich selbst. Seine Frau, Mutter Küsters, steht nach dieser Katastrophe alleine da: Ihr Sohn und ihre Schwiegertochter wollen nichts mit dem Fall des „Fabrikmörders“ zu tun haben und wenden sich ab. Ihre Tochter hingegen, eine Nachtclubsängerin, nutzt die plötzliche Popularität für ihre Karriere. Nachdem ein Journalist einen besonders sensationsheischenden und verleumderischen Artikel geschrieben hat, will Mutter Küsters sich um die Rehabilitation ihres Mannes bemühen. Sie erhofft Hilfe von der Kommunistischen Partei und sogar von einem Anarchisten, der mit Aktionen auf ihren Fall aufmerksam machen will. Aber jeder, an den sie sich wendet, nutzt den Amoklauf nur für seine eigenen Belange. Der Film ist ein Lehrstück über den Mangel an Solidarität, der durch politische Phrasen zusätzlich vertuscht wird. Wegen der kritischen Darstellung der KP fühlten sich viele linke Zuschauer vom Film verleumdet. Fassbinder entgegnete darauf: „Das ist kein Film über die Linken, sondern über das Leben in diesem Lande. Ich war ein Jahr in Frankfurt, ich konnte diesen Film nicht anders machen.“ Als Bonus wird eine alternative, optimistischere Schlußsequenz gezeigt, die ursprünglich für die US-Version vorgesehen war.

Walter Kranz, ehemals „Dichter der Revolution“, steckt inmitten einer Schaffenskrise. Geblieben sind Schulden, eine keifende Ehefrau und ein scheinbar debiler Bruder. Doch nach dem Mord an seiner reichen Geliebten sind die Schreibhemmungen überwunden. Sein neues Werk erweist sich aber als Plagiat eines Stefan-George-Gedichtes. Kranz steigert sich in den Wahn, tatsächlich George zu sein und heuert sich vom Vermögen seines Mordopfers junge Schauspieler an, die seine Verehrer spielen. Als ihm das Geld ausgeht und er sich die falschen Bewunderer nicht mehr leisten kann, schraubt sich seine Identitätskrise ins Groteske. „Eine ungemein schrille Horror-Farce mit Anleihen beim Slapstik und bei den Marx Brothers.“ (Die Zeit) Der Film, der bei seiner Aufführung auf der Mannheimer Filmwoche für heftige Diskussionen sorgte, ist seitdem kaum mehr aufgeführt worden.