Ähnlich wie Robert Altman, Peter Jackson oder David Lynch wurden auch Virgil Widrich, Michael Dudok de Witt oder Anders Thomas Jensen in diesem oder in den letzten Jahren für den begehrtesten Filmpreis der Welt nominiert. Allerdings in der Kategorie Kurzfilm-Oscar. Unter dem Titel „Oskar in Shorts“ zeigen wir acht für den Oscar prämierte oder nominierte Kurzfilme, u.a.: ERNST UND DAS LICHT (R: Anders Thomas Jensen); Jesus kehrt nach 2000 Jahren auf die Erde zurück, um Ernst zu seinem Ersten Jünger zu machen. Jesus muss jedoch feststellen, dass die Welt sich seit seinem letzten Aufenthalt erheblich verändert hat. FATHER AND DAUGHTER (R: Michael Dudok de Witt); Ein Vater sagt seiner Tochter ‚Auf Wiedersehen‘ und geht. Sie wartet auf seine Rückkehr, Tage, Monate, Jahre… BOB´S BIRTHDAY (R: David Fine / Alison Snowden); Ein Mann freut sich darauf, an seinem Geburtstag mit seiner Frau Essen zu gehen. Sie jedoch hat andere Pläne geschmiedet. COPY SHOP (R: Virgil Widrich); Die Geschichte eines Mannes, der in einem Copy Shop arbeitet und sich solange selbst vervielfältigt, bis die ganze Welt nur noch aus ihm besteht. JOLLY ROGER (R: Mark Baker); Rücksichtslose Piraten zerstören und stehlen soviel sie können. Doch eine weibliche Gefangene will Rache um jeden Preis.

X ist ein Edel-Callboy mit nie mehr als zwölf Kunden – seine „Jünger“, wie er sie nennt – in der Kartei. Er teilt sein schickes Loft mit seinen beiden höchst attraktiven Mitbewohnern, dem eben erst volljährig gewordenen Testosteron-Pulverfass Joey, der an X täglich seine Verführungskünste vervollkommnet, aber so schnuckelig der hormongesteuerte Youngster auch sein mag, X hat nur Augen für den knackigen und nicht weniger zügellosen Hunk Andrew, der nach Joey’s Vorbild seine Neigungen lieber mit wechselnden Jungs auslebt. Um das Quartett zu vervollständigen wäre da noch X’s Kunde Gregory, der ihn zu Gefühlen verführt, die er im Job seit Jahren unterdrückt hat: Emotionen. Basierend auf dem vielfach preisgekrönten Roman von Matthew Rettenmund, stellt sich BOY CULTURE den Irrungen und Wirrungen eines jungen Schwulen, der wenig ausgelassen hat und neben aller Abgeklärtheit erkennen muss, dass die Welt Kopf steht, wenn echte Gefühle ins Spiel kommen. BOY CULTURE: Ein erotisches Feuerwerk, ein Bonbon für die Sinne!

Fatih Akins sehr persönlich inszenierte Dokumentation zeigt das Leben türkischer Gastarbeiter und ihrer Familien in einer neuen Heimat, die ihnen vertraut und gleichzeitig auch oft fremd erscheint. „Wir haben einfach vergessen, wieder zurückzukehren“, kommentiert Akins Vater lakonisch die Frage des Regisseurs nach dem Grund ihres Bleibens. Aus den ursprünglich geplanten zwei Jahren in Deutschland sind mittlerweile 35 geworden. Andere entschieden sich dafür, doch zurückzukehren; viele folgten aus verschiedenen Gründen dem Ruf des Westens nicht und blieben in ihrem beschaulichen Fischerdorf. Und auch diese Daheimgebliebenen kommen zu Wort und reflektieren über den wahren Grund ihrer Heimatverbundenheit. Fatih Akin, der sich in seinem Erstlingswerk „kurz & schmerzlos“ bereits auf unterhaltsame Weise mit dem Leben junger Türken in Hamburg-Altona auseinandersetzte, sucht in seiner Dokumentation nach dem persönlichen und gesellschaftlichen Status der (türkischen) Einwanderer in Deutschland. In Kooperation mit dem Verein Kultur Rhein-Neckar e.V. anlässlich der Tagung „Visa vis – Kulturarbeit in der Einwanderungsgesellschaft. Mehr Informationen zur Tagung unter www.kupoge-rn.de.

Drei Münchner Polizisten engagieren den Berufskiller und Vietnamveteranen Ricky, damit er für sie einige Personen aus dem Weg räumt, die sie als „Gesetzeshüter“ nicht töten könnten. Sein erstes Opfer ist ein Zigeuner, sein zweites ein Mädchen, das mit Pornos und Infor-mationen handelt. Schließlich soll Ricky auch Rosa, die Geliebte eines der Polizisten töten. Von allen vergleichbaren Filmen Fassbinders ist dieser sicherlich am deutlichsten eine Paraphrase auf den amerikanischen Polizei- und Gangsterfilm. Doch was oberflächlich betrachtet nur wie ein Spiel mit Filmzitaten aussieht, erweist sich bei näherem Hinsehen als authentische Lebenserfahrung. Fassbinder sprengt die Grenzen des Genres und findet zu einer sehr persönlichen Sicht auf Lebensängste, Hoffnungen und Illusionen. „DER AMERIKANISCHE SOLDAT ist herrlich ironisch, witzig und brillant.“ (AZ Mannheim) + DAS KLEINE CHAOS, BRD 1967. 9 Min. Drei junge Leute sind als Abonnentenwerber für Illustrierte unterwegs. Sie nutzen die Gelegenheit, in Wohnungen zu gelangen, für einen Überfall auf eine Frau.

Als 1969 die ersten beiden Spielfilme Fassbinders aufgeführt wurden, war das der Beginn einer neuen Epoche im deutschen Kino. Zwar hatten innovative Ideen und Filme in der Folge des Oberhausener Manifests den Tod von Opas Kino bereits besiegelt, aber Fassbinder brachte eine neue Qualität in die Auseinandersetzung um den deutschen Film: Radikal in Form und Inhalt, kompromißlos gegenüber Verleihern und Fernsehredaktionen, operierte er mit Genres und einer Ästhetik, die seine Kritik an lebensfeindlichen Verhältnissen in der BRD einem breiten Publikum nahebringen sollte. Anlässlich von Fassbinders 20. Todestag zeigt Cinema Quadrat bis Anfang August insgesamt 8 Werke dieses bedeutenden Filmemachers. Wir beginnen die Reihe mit Fassbinders erstem Kurzfilm DER STADTSTREICHER und seiner ersten Spielfilmproduktion LIEBE IST KÄLTER ALS DER TOD. Ein Stadtstreicher findet eine Pistole. Vergeblich versucht er, die Waffe loszuwerden. Zwei Männer, die ihn beobachten, nehmen ihm die Pistole schließlich weg. DER STADTSTREICHER ist die Momentaufnahme eine Einsamen. Fassbinders Sympathie zeigt sich im ruhigen, beharrlichen Blick seiner Kamera, in der Wahl der melancholischen Musik und der Poesie eines kleinen Liedes, gesungen für eine Scheibe Brot.

Die Modeschöpferin Petra von Kant lebt in einem kostbar eingerichteten Wohnatelier, zusammen mit ihrer Assistentin und Dienerin Marlene, die wortlos alle Befehle ausführt und alle Launen über sich ergehen lässt. Petra verliebt sich in ein Mädchen, das gut zehn Jahre jünger ist als sie, Karin Thimm. Petra will die junge Karin ganz für sich haben, Karin die vermögende Petra ausnutzen, jedoch ihre Freiheit bewahren. Fassbinder sucht nach dem Leben unter der Schminke. Die Kamera gleitet dahin, umkreist Modellpuppen und puppenhafte Wesen, beobachtet Selbstinszenierung und Selbststilisierung, ein Abtasten, Ahnen, Blickeverschieben, Standortwechseln.

Franz Biberkopf, der arglose Proletarier, (der Name ist eine der vielen frühen Referenzen Fassbinders an den Helden von Döblins „Berlin Alexanderplatz“) gewinnt eine halbe Million im Lotto, gerät in bessere Kreise, lässt sich ausnehmen von den feinsinnigen Typen mit den geschliffenen Manieren und begreift viel zu spät, wie übel ihm mitgespielt worden ist. Der Mechanismus der Ausbeutung, in den Fassbinders Held gerät, entwickelt sich wie von selbst und funktioniert lückenlos, es bedarf nicht einmal eines Plans, um dieses eingeübte System zu praktizieren. Vorwürfe wurden Fassbinder wegen der Darstellung der Homosexuellen gemacht; die meisten von ihnen sind zickige, eitle, schwule Tunten, exotische Wesen wie fleischfressende Pflanzen. Im Laufe des Films indes erhalten sie ihre notwendige Selbstverständlichkeit. Fassbinder erklärte das Milieu ohnehin zur Nebensache: „Ich glaube, dass es zufällig ist und wurscht, dass die Geschichte unter Schwulen spielt. Sie könnte genauso gut unter anderen Leuten spielen. Ich glaube sogar, dass die Leute gerade deshalb genauer hingucken, als wenn’s nur eine ‘normale Liebesgeschichte’ wäre,…“

Franz wird aus dem Gefängnis entlassen und sucht frühere Bekannte auf. Die Nachtclub-sängerin Joanna, die ihn liebt, will ihm helfen. Doch um ihrem Besitzanspruch zu entkommen, verläßt er sie. Franz sucht seinen Bruder und findet ihn tot. Der „Gorilla“ Günther gibt zu, ihn erschossen zu haben. Franz lernt Margarethe kennen. Gemeinsam überlegen die drei, wie sie zu Geld kommen können, und Franz und Günther beschließen, einen Supermarkt zu überfallen. Doch die enttäuschte Joanna verrät sie. „Das Gangstermilieu ist sozusagen auch ein bürgerliches Milieu, nur mit umgekehrten Vorzeichen, aber mit den gleichen bürgerlichen Idealen. Meine Gangster sind Opfer der Bürgerlichkeit und keine Rebellen – wenn sie das wären, müßten sie sich anders verhalten. Die verhalten sich im Prinzip genauso wie sich der Kapitalismus und die bürgerliche Gesellschaft verhalten.“ (Fassbinder)

Als 1969 die ersten beiden Spielfilme Fassbinders aufgeführt wurden, war das der Beginn einer neuen Epoche im deutschen Kino. Zwar hatten innovative Ideen und Filme in der Folge des Oberhausener Manifests den Tod von Opas Kino bereits besiegelt, aber Fassbinder brachte eine neue Qualität in die Auseinandersetzung um den deutschen Film: Radikal in Form und Inhalt, kompromißlos gegenüber Verleihern und Fernsehredaktionen, operierte er mit Genres und einer Ästhetik, die seine Kritik an lebensfeindlichen Verhältnissen in der BRD einem breiten Publikum nahebringen sollte. Anlässlich von Fassbinders 20. Todestag zeigt Cinema Quadrat bis Anfang August insgesamt 8 Werke dieses bedeutenden Filmemachers. Wir beginnen die Reihe mit Fassbinders erstem Kurzfilm DER STADTSTREICHER und seiner ersten Spielfilmproduktion LIEBE IST KÄLTER ALS DER TOD. Der Zuhälter Franz weigert sich, einem Verbrechersyndikat beizutreten. Das Syndikat lässt ihn zusammenschlagen und setzt Bruno auf ihn an. Franz liebt Bruno, will auch seine Freundin Joanna, die für ihn auf den Strich geht, mit ihm teilen. Im Auftrag des Syndikats begeht Bruno Morde, die Franz angelastet werden sollen. Schließlich planen Bruno und Franz einen Banküberfall. Die Lust Fassbinders und seiner Darsteller, mit den Mustern amerikanischer und französischer Gangsterfilme zu spielen, erschöpft sich nicht darin, die Handlung einige bekannte Stationen des Genres durchlaufen zu lassen. Vielmehr ist das Interesse auf die Pausen zwischen den Aktionen gerichtet, auf das ‚Atemholen‘, in dem sich die Welt der Protagonisten entfaltet. „Was übrig bleibt, wenn man diesen Film gesehen hat, das ist nicht,… dass es hier ein paar Tote gegeben hat, sondern dass hier arme Leute waren, die nichts mit sich anfangen konnten,… und denen keine Möglichkeit gegeben wurde – die einfach keine haben. (Fassbinder)

In einem Hotel am Meer wartet ein Filmteam auf den Regisseur und den Star, das Geld der Staatlichen Filmförderung und das Filmmaterial. Es herrscht eine Stimmung gemischt aus Hysterie und Apathie, Hoffnungen, Gezänk, Neid und Affären. Als der Regisseur mit seinem Star ankommt, wird er sofort zum Mittelpunkt des Chaos. Der Film beginnt mit einer Kamerafahrt und einem 360 Grad-Schwenk durch die Hotelhalle, in der vom Filmemachen geredet wird und die Protagonisten ihre Selbstdarstellungen zelebrieren. Einige Zeit später zeigt ein nahezu gleicher Rundumschwenk einen fast leeren Raum, nur das Rauschen des Meeres ist zu hören. Und doch ist die Szene beredt, der Zuschauer füllt sie mit Erinnerungen an die vorherigen Ereignisse des Films und mit Partikeln seines eigenen Lebens. Fassbinder fordert lebendige Phantasie heraus und öffnet den Film für die Wirklichkeit. „Ohne dass sie es recht bemerken, ist aus dramatischer Hysterie und klischierter Leidenschaft etwas entstanden, was sie nie recht greifen konnten, was den Grund ihrer Verwirrung ausmachte, was sie sündigen und beten ließ: der Film, der sie anzieht und sich ihnen entzieht, der Film – eine heilige Nutte.“ (R. W. Fassbinder)