Wir schreiben das Jahr 1794 und der Revolutionsterror erreicht gerade seinen Höhepunkt. Der Marquis de Sade, eigentlich Anhänger der Revolution, ist inhaftiert worden, wie schon zuvor unter den Monarchisten. Seine frühere Geliebte Marie-Constance erreicht durch ihre Beziehungen, dass Sade in das ehemalige Kloster und Sanatorium Picpus verlegt wird, einer Art Luxusgefängnis, in dem die Gefangenen sich frei bewegen können und bei gutem Essen auf die Guillotine warten. Auf diese kurze Zeitspanne, einen wenig bekannten Abschnitt im Leben des Marquis, konzentriert Benoît Jacquot (LA FILLE SEULE, LE SEPTIÈME CIEL) sein Sade-Porträt. Das Überraschende: Sade ist kein Sadist. Daniel Auteuil spielt ihn ohne Dämonisierung: eine stolze Figur, fast liebenswürdig. Als Theatermeister inszeniert er mit den Gefangenen ein Theaterstück und eine Inszenierung ist auch, wie er die junge Emilie durch eine Schule des Begehrens schickt.

Ein grandioser Monumentalfilm über die Geschichte Italiens seit der Jahrhundertwende am Beispiel zweier Familien und der ungleichen Freunde Alfredo und Olmo. Beide werden im Jahre 1900 auf dem gleichen Landgut geboren, wachsen aber in unterschiedlichen Klassen auf. Denn Alfredo ist der Sohn des Landbesitzer und Olmo Sohn eines Bauern. Auch in Zeiten politischer Umwälzung hält ihre Freundschaft, obwohl die soziale Kluft immer wieder zwischen ihnen aufbricht. Nach dem Ersten Weltkrieg finden sozialistische und kommunistische Ideen bei Olmo fruchtbaren Boden, während Alfredo ein Bohemienleben in der Stadt führt…

Als die Zeit des offenen Faschismus mit dem Zweiten Weltkrieg endet, kehrt Olmo, der vor den Faschisten geflohen war, in seine Heimat zurück. Alfredo, mittlerweile selbst Padrone, soll sich vor einem Volkstribunal verantworten. Am Ende zanken sich die Freunde, wie sie es als Kinder taten. Selbst im hohem Greisenalter können sie es nicht lassen… Nach „1900 – Gewalt, Macht, Leidenschaft“ bebildert Regisseur Bertolucci in „1900 – Kampf, Liebe, Hoffnung“ Klassengesellschaft, Faschismus und Demokratie auf imposante Weise. Faszinierend sind neben der Kameraarbeit Vittorio Storaros die Leistungen der Darsteller. Außerdem lieferte Ennio Morricone hier eine seiner besten Filmkompositionen.

Ein Mann und eine Frau begegnen sich zufällig auf der Straße und treffen sich in einem leeren, zu vermietenden Apartment wieder. Innerhalb von drei Tagen entwickelt sich ein Verhältnis, das beide an die Grenzen ihrer psychischen und physischen Existenz bringt. Die leere Wohnung wird Zuflucht und Kampfplatz, wenn beide aus ihrem Alltag fliehen. Jeanne, eine 19jährige Französin, steht kurz vor der Heirat mit dem Regisseur Tom. Der Amerikaner Paul, Ende 40, wurde gerade durch den Selbstmord seiner Frau zum Witwer und läßt seine Frustration an Jeanne aus. Als Jeanne sich in Paul verliebt, weist er sie brutal ab. Bernardo Bertolucci inszenierte ein radikales Melodram über Liebe, Sex und Tod – mit düsteren und spektakulären Bildern sorgte er seinerzeit für einen riesigen Skandal. Der Film wurde in Italien wegen seiner Sexszenen von der Staatsanwaltschaft als pornographisch deklariert und verboten und erst 1987 vom Index genommen. Die Musik komponierte der argentinische Jazz-Saxophonist Gato Barbieri.

1957 starteten Professor Bernhard Grzimek und sein Sohn Michael ihr Forschungsprojekt über die Wanderungen der Weißschwanzgnus. Im Serengeti-Nationalpark versuchten sie herauszufinden, wo die großen Tierherden während der Regenzeit hinzogen und ob Grenzen, die neu gezogen werden sollten, ihnen wirklich Raum dafür ließen. Sie flogen dafür mit ihrem „zebragestreiften“ Flugzeug nach Tansania. Bei den Dreharbeiten zu diesem Film verunglückte Michael Grzimek tödlich, sein Vater beendete das Werk allein. Entstanden ist ein atemberaubender Tierfilm mit grandiosen Farbaufnahmen, der zum Klassiker wurde. SERENGETI DARF NICHT STERBEN erhielt einen Oscar, machte die Serengeti weltweit bekannt und stärkte die Sensibilität der Bevölkerung für die schwierige Lage der wilden Tiere Afrikas.

Eine dokumentarische Langzeitbeobachtung von zwei gewalttätigen Jugendlichen: Tim ist ein introvertierter Jugendlicher, der zu unkontrollierten Gewaltausbrüchen neigt. Der Film zeigt ihn auf seiner “Odyssee” durch Anstalten und Pflegefamilien. Gibran ist ein extrovertierter Charmeur, der Gewalt einsetzt, um seine Ziele zu erreichen. Er verbüßt seine Haftstrafe in einer geschlossenen Anstalt, wo er massiv mit seinem Gewaltverhalten konfrontiert wird.

In Rerik, einem kleinen Hafenort an der Ostsee, treffen 1937 verschiedene Menschen aufeinander, die aus unterschiedlichen Beweggründen von Deutschland nach Schweden fliehen wollen: Gregor, der Kommunist, die Jüdin Judith und der Pfarrer Helander. Dieser will nicht sich selbst retten, sondern eine Holzfigur, die von den Nationalsozialisten als „entartet“ beschlagnahmt werden soll. Die Figur stellt einen lesenden Klosterschüler dar und wird zum Symbol für Freiheit und Menschenwürde. Das beruht auf ihrer faszinierenden Ausstrahlung – stammt sie doch aus der Hand des berühmten Bildhauers Ernst Barlach (1870–1938), der als einer der wichtigsten Vertreter expressionistischer Kunst wie so viele seiner Kollegen unter das drastische Ausstellungsverbot fiel. Mit der Rettung des Kunstwerks verbindet sich die Hoffnung auf eine Zeit nach der NS-Diktatur, in der sowohl die Menschen als auch die Kunst endlich befreit sein werden. Die Figuren sind dem Roman „Sansibar oder der letzte Grund“ von Alfred Andersch (1957) nachempfunden. Vor Beginn des Films stellt Dr. Dorothee Höfert eine Skulptur von Ernst Barlach aus der Sammlung der Kunsthalle Mannheim vor, die für diesen Abend aus dem Depot geholt wird, wo sie während der Dauer der Generalsanierung untergebracht ist. – Veranstaltungsort: Kunsthalle

„Die Fabel verläuft geradlinig wie die einer Short Story. Sie erzählt von der kurzen, unerfüllten Begegnung zweier junger Menschen, die durch die Verhältnisse auseinandergebracht werden. Günter ist zwanzig, Arbeitersohn und ‚ungelernter‘ Arbeiter in einer Gießerei; Gisela, etwas jünger, ist Angestellte, ihr Vater Prokurist. Günter verbringt die Freizeit mit seinen Kumpels vom Motorrad-Club, der eine Tanzkneipe mit schriller Musicbox frequentiert. Zu Giselas Bekannten gehören junge Künstler…“ (Theodor Kotulla) WARUM SIND SIE GEGEN UNS? ermöglicht interessante Einblicke in die Probleme von Jugendlichen Ende der 50er Jahre. Es ist Bernhard Wickis erste eigene Regiearbeit, der ein Jahr später sein Meisterwerk DIE BRÜCKE folgte. Mit einer Einführung von Dr. Peter Bär.

Diese Dokumentation versammelt alle Highlights des Newport Jazz Festivals von 1958, bei dem sich die damaligen Jazzgrößen trafen. Der Film beginnt mit Szenen vom Bühnenaufbau und verbindet die musikalischen Auftritte mit sonnengetränkten Bilder vom gleichzeitig veranstalteten America Cup Yachtrennen in Newport. Selten hat jemand so gekonnt die swingende Stimmung und die vibrierende musikalische Vielfalt eines Festivals festgehalten wie Bert Stern. Zu hören sind unter anderem Klassiker wie „Sweet Georgia Brown“, „Tea for Two“ oder „All of Me“.